Экскурсия по Русскому музею 012 - 29 Апреля 2018

Главная » » Экскурсия по Русскому музею 012

22:36

Экскурсия по Русскому музею 012

***

Петров-Водкин К.С.
На линии огня.
1916
Холст, масло. 196 х 275
На обороте надпись: «На линии огня». (Первая немецкая война)

Государственный Русский музей

Во время войны художник служил в учреждениях военного ведомства в Петрограде, и театр военных действий мог наблюдать непосредственно. К. С. Петров-Водкин создал эпически-идеализированный образ Гражданской войны, в котором отразилась его художественно-теоретическая система. Произведение построено на основе принципа трехцветия: синего, желтого и красного цветов (основные цвета согласно концепции художника). Обращает на себя внимание замедленность плавных движений, акцентирование жестов, оберегающих и угрожающих. Композиционный принцип "сферической перспективы" позволяет изображать все происходящее одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение "земли как планеты". Таким образом, художнику удается создать произведение планетарного звучания вне времени и пространства.

Малевич Казимир
«Черный квадрат»,«Черный круг»
Государственный Русский музей

Есть художники - наблюдатели и интерпретаторы. Они смотрят на жизнь из некоторого отдаления и судят о ней как бы со стороны. А есть мастера, которые любой сюжет трактуют как неотъемлемую часть собственной биографии, видят себя прямыми участниками изображаемого, пусть даже это возможно лишь при помощи мечтательных допущений или фантасмагорий.
Долгое время живописное искусство Казимира Малевича считалось "идеологически вредным", и в своих исследованиях советские искусствоведы главным образом отмечали формальные качества его произведений, ибо они были действительно очень существенны для развития художественной культуры XX века.
Сейчас о творчестве К. Малевича написано много книг и еще больше статей, а в 1930-е годы художник был вообще "закрыт",хотя его и не забыли. Но он был знаком зла, самым последовательным выразителем модернизма, который знаменовал в официальной критике "полный упадок буржуазного искусства". Однако именно это низведение К. Малевича на самое дно (как отмечают Д. Сарабьянов и А. Шатских - авторы одной из книг о художнике) и "поддерживало интерес к его личности - классика русского авангарда".
В настоящее время значение К. Малевича выходит далеко за пределы только русской художественной культуры и приобретает уже общемировой характер. И вместе с тем его творчество неотделимо от тех художественных процессов, которые происходили в России на рубеже веков; от той своеобразной ситуации, которая сложилась в русской художественной школе, когда туда вошел К. Малевич.
Супрематизм Малевича отличает особая любовь к простым геометрическим формам, главная из которых, конечно же, – квадрат. Также он допускает прямоугольник, круг, линию и эллипс. Все фигуры лишены объёма, цвет условен, нет привязанности изображения к реальным объектам. Обычно используются чёрный, белый, красный и жёлтый цвета.
Если в «Черном квадрате» передана мысль гения о начальном элементе всего бытия, то в «Черном круге» мир художника получает дальнейшее развитие. В этом творении вся статика квадрата обретает определенную динамику.
Крест, квадрат и круг художника Малевича – три основных кита, на которых он основывал супрематизм своего творчества. Именно эти первофигуры обрели поистине программный смысл и легли в основу всей созданной художником пластической системы.

Василий Иванович Суриков
Вид памятника Петру I на Сенатской площади в Петербурге. 1870
Холст, масло. 52 x 71 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Трудно поверить, что это монументальное полотно создано художником в эпоху его бытности студентом. В картине есть ряд моментов, которые могли поставить в тупик и более зрелого мастера, но молодой художник блестяще справился с ними. В первую очередь это двоякое освещение — на полотне запечатлено темное время суток, площадь освещена холодным разлитым светом полной луны и редкими огоньками фонарей, расположенных рядом с оградой, окружающей памятник великому царю. Художнику великолепно удалось передать ощущение холодной и влажной петербургской зимней ночи, с ее дымчатым воздухом, нивелирующим цвета и сглаживающим объемы.
Еще один исключительно удачный прием, использованный молодым мастером в этой картине — это подача изображения с нижней точки, благодаря чему громада Исаакиевского собора и Медного всадника буквально нависает над зрителем, создавая почти физическое ощущение их серьезной массы. Особую привлекательность полотну придает характерная серовато-голубоватая дымка, окутывающая все изображенное на картине, немного сглаживая контрасты и одновременно объединяя все детали. Она настолько хорошо исполнена, что оставляет просто физическое ощущение речной влаги, исходящее от картины.
В работе много мелких, но важных для реалистичности изображения деталей — занесенная снегом Сенатская площадь со следами ног и саней, далекая перспектива города, легкие облачка на небе, подсвеченные холодным лунным свечением, блик света на куполе Исаакия, могучая фигура в контражуре, четкие линии ограды и присыпанный снежком Гром-камень в основании памятника. Изображение кажется очень натуральным, как фотография, благодаря точному распределению и различной плотности теней на снегу. По этой картине можно сразу сказать, что писал ее великий мастер.

Фронтоны, оконные наличники, многометровые фризы давали простор фантазии мастеров, заполнявших их плоскости сказочными цветами и завитками аканта, из которых выглядывали добродушные львы с очеловеченными мордами, птицы-Сирины, русалки-берегини, драконы, змеи. В поволжской резьбе эти исконно народные поэтические образы соединились в уникальный сплав с мотивами и формами городской классической архитектуры. Характерным примером творчества местных резчиков является могучий фронтон дома Максимовых из села Валки Лысковского района Нижегородской области.

Василий Иванович Суриков
«Пир Валтасара»
1874
Холст, масло. 81 x 140 см
Государственный Русский музей

Богат и могуч Вавилонский царь Валтасар. Окруженный рабынями, верными слугами, жрецами и стражей, - царь чувствует себя повелителем мира. Он ест и пьет из священных сосудов Иерусалимского храма.
Все рушится в один момент... На стене появляется огненная надпись, расшифровать которую смог лишь иудейский пророк Даниил.
Взоры всех присутствующих прикованы к загадочной надписи, предвещающей крах и гибель царя. Наполнены ужасом глаза рабов, вельмож, самого царя. Тщетно обращаются жрецы к статуям вавилонских богов. Идолы молчат. Разлилось вино из опрокинутого кувшина, кроваво-красное пятно на ковре - еще одно дурное предзнаменование. Атмосферу ужаса довершает молния, разрывающая черное небо над городом.
На фоне общей паники, монументально и величественно выглядит фигура пророка. Указывая на надпись, он бесстрашно сообщает царю о грозном предупреждении.
Доминирующие цвета картины - красный и золотой. Жалким и ненужным выглядит в этот момент богатство Валтасара. Красная, дорогая одежда царя, вельмож, приближенных, придает картине дополнительный драматизм.
Источником света в картине автор сделал саму таинственную надпись.
Несмотря на то, что работа осталась незавершенной, в ней ясно видно уверенную манеру автора, талантливую композицию, раскрывающую идею картины - неотвратимость божьего наказания.

ЛЕБЕДЕВ Клавдий Васильевич
«Полоняники» (1893 г.)
Государственный Русский музей

Лебедев Клавдий Васильевич (1852 — 1916) — русский живописец-реалист. Учился в Московском Училище живописи ваяния и зодчества (1875 — 1881 г. г.). В 80-х годах Лебедев создал большое количество картин и рисунков бытового жанра («К сыну», «Поп и дьяк на торгу», «Боярская свадьба»), правдиво отразив в них яркие сцены городской и деревенской жизни. В 90-х годах художник обратился в своем творчестве к драматическим событиям русской истории. Его картины «Полоняники» (1893 г.) и «Уничтожение Новгородского веча» (1895 г.) навсегда вошли в сокровищницу русской исторической живописи.

***

В.М. Васнецов
Портрет Виктора Ивановича Гошкевича (1860-1928)

1887г, холст, масло, 79,5 х 55
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Тогда в Киеве над росписями Владимирского собора работал известный русский художник Виктор Васнецов. Он выполнил сотни набросков и портретов в поисках выразительных образов для будущих святых. Молодой киевский археолог обратил на себя внимание. В 1887 году Васнецов написал портрет Гошкевича, и, в конце концов, использовал этот образ в изображении Моисея в алтарной части храма. В нем мы видим человека реалистичного, целеустремленного и мудрого. Сам художник здесь оказался пророком. Виктор Гошкевич, сумевший сохранить музей в годы революции, войны и первых репрессий, остался в нашей памяти именно в таком образе.

Иванов Сергей Васильевич
Семья. 1906
Холст, масло

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Русский художник Сергей Васильевич Иванов родился в городе Руза Московской губернии. В 1878–1882 годах учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. Г. Перова, И. М. Прянишникова и Е. С. Сорокина. В 1882 году молодой живописец ушел из училища и поступил в Академию художеств в Петербурге. Но в 1884 году, как и многие его товарищи, недовольные методами академического преподавания, оставил академию и вернулся в Москву, в училище, где все напоминало о недавно умершем любимом учителе — Перове. Первую известность художнику принесла картина «В дороге. Смерть переселенца» (1889, Третьяковская галерея, Москва), отразившая критическое отношение автора к действительности. Полотно привлекло внимание публики, его приобрел для своей галереи П. М. Третьяков. Мастер бытового жанра, в 1897 году он увлекся произведениями на сюжеты из прошлого.
Одна из наиболее известных работ Иванова исторического жанра — «Семья. В гости» (1907, Третьяковская галерея, Москва). Мастер выбрал здесь излюбленный прием — передачу человеческих фигур на светлом фоне. С легкой иронией он изобразил важно идущую по снегу большую семью. Но в том, как переданы отдельные персонажи (например, юная девушка в белом нарядном полушубке, величественный бородатый старик — глава семьи), костюмы и детали, чувствуется искренняя авторская симпатия к героям. В этом Иванов сближается с другими известными мастерами исторического жанра — В. Суриковым и А. Рябушкиным.

***

В.М. Васнецов

Богоматерь

1887г, Бумага, уголь.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Особое место в его творчестве занимает образ Богородицы. Отдельно стоит остановиться на полотне «Богоматерь с Младенцем», написанной художником в 1889 году. Именно эта работа Васнецова послужила эскизом для росписи Владимирского собора.
Практически всю площадь картины занимает фигура идущей прямо на зрителя Богоматери, несущей на руках Младенца Христа. Завернутый в пелену Младенец изображен с поднятыми вверх и тянущимися к зрителям руками. Он как бы благословляет, представших перед ним. Как и должно быть в любой иконографии, головы обеих фигур окутаны золотистым свечением, олицетворяющим их божественную суть. Оригинально выполнен фон, на котором изображены фигуры. Нельзя с определенной уверенностью сказать ступает ли Богоматерь по земле или движется по небесам. Лица Богоматери и Младенца необычайно живые. Это не канонические лики смотрящие со стандартных икон. На полотне Васнецова зрители видят обычных людей. Фигура Младенца и его положение также вполне естественны, и не вызывают ощущения фантасмогоричности происходящего. Глядя, на полотно у зрителя возникает образ обычной женщины, несущей на руках ребенка. Ее глаза печальны, но они светятся невероятной любовью к своему сыну и ко всему миру. Идея представить Богоматерь именно такой, была навеяна художнику образом его супруги с сыном на руках. В дальнейшем подобный образ Богородицы активно использовался в русской иконографии и получил название Васнецовская Богоматерь.

***

В.М. Васнецов

Портрет Татьяны Викторовны Васнецовой дочери художника.

1897г, холст, масло,
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Творчество Васнецова — этого «изумительного труженика», «большого умника и разумника» — неизменно привлекало к себе внимание современников, оно могло вызывать резкую критику или восторг, но никогда не оставляло равнодушным. Каждый из представителей всевозможных течений мог найти в его искусстве что-то близкое для себя: одни ценили его как выдающегося жанриста, другие видели в нем «провозвестника нового направления в религиозной живописи», кому-то он был близок за обращение к корням, а кто-то считал его родоначальником русского модерна. В любом случае, вклад его в развитие русского искусства не подлежит сомнению. «Десятки русских выдающихся художников, — писал в 1916 году Михаил Нестеров, — берут свое начало из национального источника — таланта Виктора Васнецова».

***

В.М. Васнецов
Акробаты (На празднике в окрестностях Парижа)
Конец 1877, холст, масло, 221х136
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Работа написана в 1877 в Париже. Получив к этому времени в России звание мастера бытового жанра, тонкого психолога и знатока народных образов, художник рисует французские типы с таким же удовольствием, с каким писал русские, находя в них сходные черты. Но в этом полотне художник отступает от своей обычной манеры последовательного и обстоятельного рассказчика. И, хотя художник по-прежнему внимательно приглядывается к наиболее интересным типам жителей предместья Парижа, к их одежде и позам, манере держаться, но на этот раз его больше увлекает передача общего настроения, состояние общей эмоциональной приподнятости, охватывающей толпу, окружающую балаган. Тревожный свет горящих плошек выхватывает из мрака почти фантастические от грима физиономии комедиантов, их изломанные позы, странно вытянутые фигуры, как бы парящие над зрителем. В дальнейшем художник уже не будет возвращаться к манере, в которой он написал своих "Акробатов": она не свойственна его ясному и цельному видению мира. Но именно после Парижа он почувствовал в себе призвание быть русским художником, говоря: "Я только Русью жил...". Он обращается к миру поэтического народного творчества. И здесь В.М. Васнецову принадлежит особое место первооткрывателя.

В.М. Васнецов

Битва скифов со славянами (эскиз)

Конец 1870-х, холст, масло,
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Эта тема - важнейшая для Васнецова, он не оставлял ее всю жизнь. Его и самого, обыгрывая приверженность к "богатырским" образам, называли "истинным богатырем национальной живописи". В своих "богатырских" работах Васнецов наиболее монументален и декоративен, и это многое говорит о пафосе, свойственном картинам этого ряда. Его манера изображения русских витязей была как-то сразу и счастливо найдена и мало менялась на протяжении жизни - это доказывает простое сравнение, например, ранней картины "Бой скифов со славянами" с поздней картиной "Богатырский скок", 1914 (на след. стр.). Быть может, в последней больше элементов лубка, но это объясняется временем ее создания - в 1914 году Россия вступила в Первую мировую войну. По сути, все васнецовские "богатыри" - это все то же, по слову Н. Рериха, "искание Руси, не академической, не передвижнической, а настоящей, затерявшейся в далекой старине". Эти искания и определили непреходящую художественную ценность васнецовского творчества. *** *** Валентин Александрович Серов.
Портрет княгини З. Н. Юсуповой. 1902.
Холст, масло. 181,5х133
Государственный Русский Музей, Санкт Петербург, Россия.

Великолепна княгиня Юсупова на парадном портрете кисти Серова. Светская дама, аристократка до кончиков пальцев. Платье выдает изысканный вкус и неукоснительное следование моде. Княгиня могла бы украсить самый взыскательный модный журнал начала двадцатого века.
Интерьер комнаты словно создан специально для портрета - настолько он гармонично дополняет модель. Собачка на портрете не случайна. Она неотъемлемая часть парадных портретов со времен итальянского Возрождения.
Княгиня на портрете мила и любезна. Взгляд ее рассеян. Взгляд зрителя притягивает интересная деталь: правая рука княгини, лежащая на коленях. Тонкая, бледная, точеная. Серов с особым тщанием выписывал эту деталь, так элегантно раскрывающей характер графини Юсуповой. Источник: Экскурсия по Русскому музею... *** Источник: