Поленов Василий Дмитриевич
Христос и грешница (Кто без греха?). 1888
Холст, масло. 325 x 611 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Одной из тем живописного наследия Василия Дмитриевича Поленова являются его евангельские сюжеты. Вторая половина XIX века поставила перед человеком ряд вопросов, связанных с духовным поиском и новым пониманием религиозных знаний. После написания в 1837-1857 А. А. Ивановым монументального полотна «Явление Христа народу» следующее поколение художников (к которому и принадлежал Поленов) по-своему переосмыслило Священное Писание. Во многом опорой для них стала книга Э. Ренана «Жизнь Иисуса», где Спаситель предстал в образе обыкновенного человека, не наделенного божественным ореолом.
Изображение Поленовым Христа в исторически реальной обстановке и одежде было новаторским для своего времени. Для художника евангельский сюжет был поводом показать Христа как гуманиста, противостоящего изуверскому догматизму фанатиков (по закону, уличенных в измене жен закидывали камнями, а искушаемый народом на обвинение Христос защитил женщину, сказав: «Кто без греха, киньте в нее камень!», и толпа разошлась.
Совершив многочисленные поездки по странам Ближнего Востока, Поленов исполнил более ста пятидесяти натурных этюдов и эскизов к картине. Долгое пребывание в солнечных странах обогатило его палитру яркими красками, что удивляло публику, привыкшую к темной живописи передвижников. Необходимо обратить внимание и на композиционное решение полотна - многофигурное действие разворачивается словно на фоне театрального задника. Это ощущение неслучайно, художник много работал в театре и был одним из зачинателей реформы театрально-декорационного искусства, произошедшей на сцене Частной оперы Мамонтова, с которым его связывала многолетняя дружба. Любопытно, что свою картину Поленов заканчивал в доме мецената.
Поленов Василий Дмитриевич
Мечты (На горе). 1890-1900-е
Из цикла картин "Из жизни Христа"
Холст, масло. 151 x 142 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Картина «Мечты» показывает нам Христа на скалистом берегу Генисаретского озера. Однако здесь главной герой не произносит свою знаменитую нагорную проповедь – а всего лишь сидит на камнях, отвернутый от зрителя, устремив взгляд вдаль. Образ Иисуса кажется таким человечным, реальным, лишённым Божественного отпечатка. Можно принять его за усталого путника, который о чём-то глубоко задумался…а может замечтался.
Работа отличается свежестью, полупрозрачными тонами, необыкновенной чистотой, простой композиции. Кажется, Поленов нарочно оставил лишь самое главное – пустой пейзаж и человека, которые равнозначны и равноглавны.
Картина существует в нескольких вариантах, и все версии обрели свой дом в России – Москве, Петербурге и Саратове.
***
Поленов Василий Дмитриевич
Марфа приняла Его в дом свой. 1890-1900-е
Из цикла картин "Из жизни Христа"
Холст на картоне, масло. 43 x 30 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Будущий талантливый мастер пейзажной, жанровой и исторической живописи родился в 1844 году в многодетной и просвещенной дворянской семье. Именно окружение Василия в детские годы оказало на него огромное влияние, сделав его восприимчивым к различным проявлениям жизни и подарив возможность отражать свои чувства на полотне.
Удивительный талант художника сформировался под влиянием бабушки, которая воспитывала детей, прививая им любовь к искусству и русской природе. Она поощряла художественные способности внуков и их любовь к рисованию. В детстве на Василия оказал огромное влияние северный Олонецкий край с богатейшей природой, практически незатронутой человеческим влиянием.
Будущий художник после гимназии пошел учиться на физмат университета Санкт-Петербурга, но и свою любовь к живописи не забыл. После занятий он учился в Академии Художеств, посещая множество разнообразных занятий и классов по разным дисциплинам в этой сфере. Василий был разносторонним и богато одаренным человеком. Кроме рисования, он увлекался оперным искусством, хорошо пел и писал музыкальные творения.
Для получения художественного образования мастеру пришлось прервать курс обучения в университете и закончить Академию (с серебряной медалью). В это время он уже успешно выставлялся и получал за свои выдающиеся работы признание и награды в виде золотых медалей. Но все это не вскружило голову молодому человеку, и он успешно завершил учебу в университете на юридическом факультете. С помощью академической стипендии художник уезжает заграницу, побывав в странах, которые сейчас стали Австрией, Германией, Италией. Он много времени прожил во Франции, в Париже, где создал знаменитое полотно «Арест графини д'Этремон», которое принесло ему звание академика.
Жизнь художника была бурной и очень интересной. В 1874 году он вместе с Ильей Репиным живет и работает во французской Нормандии, где пишет многочисленные пейзажи, отражающие красоту местной природы. Через два года он возвращается в Россию, а когда начинается русско-турецкая война, становится официальным художником при ставке будущего императора Александра III.
Следующие годы жизни художника тесно связаны с преподаванием и работой с театральными декорациями. Преподавание в знаменитом Училище живописи, ваяния и зодчества в Москве связано с именами таких в будущем известных художников, как Коровин, Левитан и множество других.
На выставке художников-передвижников в 1877 году картина Поленова «Московский дворик» становится известной и очень популярной, а сам мастер приобретает статус основателя нового жанра, названного «интимным пейзажем».
Став членом Товарищества передвижных художественных выставок, художник увлекается пейзажной живописью и много путешествует по местам, связанных с древней историей и зарождением христианства. Любовь к природе и большим открытым пространствам заставляет его приобрести имение над рекой Ока, которое сейчас всем хорошо известно как Поленово. Там мастер обустроил все по своему вкусу, построив дом и художественные мастерские по своему проекту. В своем имении он много и продуктивно работал над полотнами, а также занимался образованием сельских детей, в том числе и обучая их живописи.
В последующие годы художник неоднократно выезжает заграницу для получения нужных сведений и художественного материала для своих полотен. Он провел много лет над созданием серии картин на евангельскую тематику, побывал в Италии и Германии.
Во время Первой Мировой войны его картины участвовали в благотворительных выставках, проводимых для сбора средств раненым и пострадавшим от военных действий. После революции художник жил в своем имении и продолжал работать над художественными произведениями, отражая в них красоту и безбрежную мощь русской природы.
Мастер прожил долгую, плодотворную и насыщенную событиями и свершениями творческую жизнь. Он скончался в возрасте 83 лет и похоронен в Поленово, в своем любимом месте, где он часто рисовал с натуры. После художника осталось множество картин и его дом, ставший музеем.
Репин Илья Ефимович
Воскрешение дочери Иаира. 1871
Холст, масло. 229 x 382 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Картина «Воскрешение дочери Иаира» была написана в 1871 году, и её автор получили большую золотую медаль, а кроме неё звание художника первой степени и пенсионерскую поездку за границу.
Это драматическое сложное полотно стало первой большой работой, и сюжетом к ней живописец выбрал известную библейскую историю. Иаир, который был главой синагоги, пришёл к Иисусу и пал к его ногам – его единственная дочь, двенадцати лет от роду умирает. Просьба о помощи прерывается ужасной вестью - «…дочь твоя умерла, не утруждай Учителя». Но Иисус идёт в дом Иаира, чтобы явить чудо Господне и воскресить оплакиваемую родителями девочку. Репин выбрал момент, когда Христос подходит к постели уже мёртвой дочери Иаира.
Разглядывая эту работу, несмотря на драматичность сюжета, не устаёшь себя успокаивать: название «Воскрешение дочери…» даёт уверенность, что финал этой сцены закончится чудом и девочка проснётся, ибо как сказал Иисус: «она не умерла, но спит». Поэтому позволяешь себе внимательно разглядывать картину, отмечая логичность построения композиции, точность человеческих характеристик, цветовую палитру и цельность представленного сюжета.
Левая сторона картины освещается подсвечником – свет выхватывает мрачную обстановку комнаты, Спасителя, ложе и бледно-белое лицо усопшей. Такая содержательная трактовка света, отличающаяся смысловой выразительностью, роднит Репина с Рембрандтом (это был его излюбленный приём).
Правая сторона затемнена, и из этого полумрака выступают лица скорбящих родителей. Эти герои писались Репиным, основываясь на воспоминании о личной трагедии. Точно также оплакивали его родители маленькую дочку, сестру живописца, когда та скоропостижно умерла, наполнив сердце пустотой, а дом скорбью.
Картина отличается академической строгостью, благородством цветовых взаимодействий, сдержанностью жестов. Всё в ней дышит возвышенностью и демонстрацией величайшей силы человеческого духа. Иисус держит умершую за руку, лицо его спокойно – он готов явить чудо воскрешения.
Многие источники утверждают (по свидетельствам двоюродного брата живописца), что представленную картину Репин создавал под музыку Л. Бетховена, а именно под божественно-благородные и щемящие звуки «Лунной сонаты».
Картину «Воскрешение дочери Иаира» считают «официальным» началом творческой карьеры Репина, которая будет очень яркой, богатой и фундаментальной для всего русского искусства.
***
Илья Ефимович Репин.
Портрет В. А. Репиной, жены художника. 1876
Холст, масло. 59 x 49 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
"В Москве же Репиным были написаны портреты Веры Алексеевны Репиной, спящей в кресле, дочки их Веры, сидящей на заборе на солнце, и другие, если не ошибаюсь, созданы там. А может быть, и написаны изумительные по живописи и по ярко и тонко выраженной психологии картины: «Царевна Софья», «Иоанн Грозный» и «Не ждали», для которой позировали Вера Алексеевна, Вера и их горничная Надя." Старшая дочь Павла Михайловича Третьякова, Вера Зилоти.
***
Репин Илья
«Портрет Л.И.Шестаковой»
1899
Холст, масло
65х51
Государственный Русский музей
Шестакова Л. И. (урожд. - Глинка) Людмила Ивановна (17 (29) XI 1816, с. Новоспасское, ныне Ельнинского р-на Смоленской обл.- 18 (31) I 1906, Петербург) - муз. деятель. Сестра М. И. Глинки, с к-рым она проживала вместе в течение ряда лет (зимой 1847-1848 в Смоленске, летом 1851 в Варшаве, в 1851-52 и 1854-56 в Петербурге). Благодаря брату познакомилась с А. Н. Серовым, А. С. Даргомыжским, В. В. Стасовым, М. А. Балакиревым и др. По просьбе сестры Глинка написал "Записки" (1854-55), впервые опубликованные Ш. в журн. "Русская старина" (1870, т. 1-2), просмотрел переписанную по заказу Ш. орк. партитуру "Руслана и Людмилы" (благодаря этому сохранилась партитура, оригинальный экземпляр к-рой сгорел в 1859 при пожаре Мариинского т-ра). Ещё при жизни брата составила полн. собр. его романсов. В 60-70-х гг. в доме Ш. часто проходили собрания Балакиревского кружка. После смерти Глинки Ш. содействовала увековечению памяти композитора и популяризации его творчества. В 1857 по её настоянию прах Глинки был привезён в Россию и погребён на кладбище Александро-Невской лавры в Петербурге (ныне - Некрополь в Ленинграде). Она впервые издала (на свои средства) ряд его произв., в т. ч. полные партитуры опер "Руслан и Людмила" (1878) и "Иван Сусанин" (1881), к редактированию к-рых привлекла Балакирева, Римского-Корсакова, позднее А. К. Лядова и Стасова. При участии Ш. составлен "Каталог нотных рукописей, писем и портретов М. И. Глинки" (сост. H. P. Финдейзен, СПБ, 1898). Во 2-й пол. 90-х гг. Ш. организовала Музей Глинки в Мариинском т-ре (в 1899 передан Петерб. консерватории, ныне - фонд Музея Глинки в Ин-те театра, музыки и кинематографии). По просьбе Стасова написала ряд воспоминаний о Глинке и представителях "Новой русской музыкальной школы".
Александр Головин
Осень. 1920-е
Осень. 1920-е
Холст, темпера. 136 x 136 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Художник театра, живописец, график. Автор декоративных панно, портретов, пейзажей, натюрмортов. Работал в декоративно-прикладном искусстве.
В 1881 году Головин поступил на архитектурное отделение Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
Вскоре он понял, что ошибся со "специализацией", и перевелся на живописное отделение. В свою бытность в училище Головин познакомился с Левитаном, Коровиным, Архиповым, Остроуховым, Нестеровым. Коровин свел его с Врубелем. Особенно важной для Головина стала возникшая дружба с Е.Д. Поленовой, сестрой учителя, которая сыграла громадную роль в судьбе нашего героя. По сути она открыла и развила в нем грани его дарования, обусловившие то место, что занял Головин в русской культуре начала ХХ века.
В 1899-1917 гг. - декоратор императорских театров.
После 1917-го продолжал активно работать в театрах Москвы и Ленинграда. Один из крупнейших реформаторов русского и мирового театрально-декорационного искусства. Его декорации отличаются выразительной яркой передачей эпохи, своеобразным живописным почерком.
В 1912 году Головин стал действительным членом Академии художеств.
В это же время у него обнаружились первые признаки серьезной сердечной болезни, и врачи посоветовали художнику покинуть столицу.
С 1913 года и до самой смерти Головин жил в Царском Селе (в 1918 году пушкинскую духовную родину переименовали в Детское Село - в 1937 году оно, в свою очередь, превратилось в город Пушкин). В последние три года жизни мастеру, отлученному от активной жизни, все время снились декорации. Он чувствовал себя забытым и мучился этим. 17 апреля 1930 года Александр Головин скончался в Детском Селе.
Исаак Ильич Левитан
Сумерки. Луна [1899]
Холст, масло. 49,5x61,3 см.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Пейзаж изображает озеро с леском за ним, отражающимся в спокойной воде. Левитан стремился в нем передать тишину, покой, задумчивое состояние природы, как бы погруженной в сумеречные грезы. Он хочет донести до зрителя это состояние природы и вызываемое им переживание с особой выразительностью и потому подчеркивает их, заостряет, самый покой выражает экспрессивно. Для этого он упрощает изображение, предельно его обобщает. И небо и вода писаны в виде больших, почти однородных по цвету плоскостей. …
***
Головин А.Я. – Детскосельский пейзаж. 1920-е.
Холст, темпера. 148х91.
Государственный Русский музей.
Художник пользовался почти исключительно темперой и гуашью, иногда прибегал к пастельным карандашам. Часто мазки превращаются в струящиеся потоки краски. Так Головин писал театральные декорации и некоторые станковые произведения, например декоративные пейзажи
Детскосельский пейзаж. 1920-е.
Бенуа Александр Николаевич
Итальянская комедия. 1906
Холст, наклеенный на бумагу, масло. 68 x 101 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
В „Итальянской комедии“ события происходят во времена Людовика XIV. На открытой сцене в Версальском парке актеры разыгрывают сцены из пьесы „Нескромный Полишинель“. Своеобразная композиция картины полна динамики и экспрессии, силуэты фигур — причудливы и выразительны, их ритм сложен и прихотлив. Сгущенный, насыщенный колорит, эффекты освещения усиливают театральный характер действа. Мастеру блестяще удалось передать сам дух итальянской comedia dell’arte, ее яркую зрелищность и буффонаду.
БОГАЕВСКИЙ КОНСТАНТИН ФЕДОРОВИЧ (1872-1943).
«Классический пейзаж» 1910г
Холст, масло 120 х 142
Государственный Русский музей.
Санкт-Петербург.
Произведения Константина Богаевского времени его творческой зрелости представляют собой остро индивидуальный "симбиоз“ реальности, интуитивистских прозрений картин далекого прошлого и сладостно-грустного поэтического вымысла. Они пронизаны мечтой об искусстве "большого стиля“. Всю жизнь мастера вдохновлял родной Крым — то суровая и таинственная, еще не заселенная людьми архаическая Киммерия, то — осиянная солнцем, любимая богами Таврида. Полные величавого покоя и гармонии, пронизанные неизъяснимой печалью об ушедшем, холсты, акварели, рисунки и гравюры художника своими композиционными принципами и трактовкой форм близки искусству классицизма эпохи Никола Пуссена и Клода Лоррена. Некоторые из них напоминают старинные гобелены. Источник:
БЕНУА Александр Николаевич
Вечер в Британии, ок. 1905-06
Государственный Русский музей.
1905–1906 годы стали чрезвычайно плодотворными для становления и самоопределения Бенуа в профессиональном плане. Вспоминая свое первое посещение Парижа в 1896 году, Бенуа писал: «<…> не говоря уже о пользе, которую я почерпнул для своего художественного развития в том, что видел столько нового и превосходного, я несомненно созревал, расставаясь со всякими ненужными пережитками юности и с остатками своего “провинциализма”, выражавшимися в известной бестолковости, сумбурности и узости моих художественных восприятий». «Сокровища Парижа» способствовали, как он сам полагал, развитию заложенного в нем дара «восприятия красоты». Теперь же Бенуа пишет и рисует Бретань и столь любимый им Версаль, совершенствуя в процессе работы свое мастерство художника, о чем свидетельствуют и отзывы друзей, и рецензии на выставки с его участием. Вероятно, в конце 1906 года, накануне возвращения на родину, Бенуа, ставший заметной фигурой в художественной жизни Парижа и Петербурга, и сам напишет Сомову, что «<…> себя нашел <…> положение свое в жизни выяснил и <…> вступил в зрелый и разумный возраст».
Бенуа Александр Николаевич.
«Бретонский танцы».
Масло/Холст (1906)
69 х 102 см
Государственный Русский музей.
В течение жизни Бенуа много путешествовал. Природу и быт Бретани художник знал не понаслышке – он изъездил её вдоль и поперёк. «Бретонские танцы» - одна из немногих картин живописца, где важная роль отводится не только пейзажу, но и людям. Бретанские крестьяне умело вписаны в общую композицию, но Бенуа не стремится тщательно описать их. Женщины на переднем плане представлены и вовсе со спины, и их внимание и любопытство, обращённое к танцующим, видны не по их лицам, а из поз, мастерски обрисованных художником. Люди представлены Бенуа скорее как набор цветовых пятен, которые органично сливаются с чудесным пейзажем – зелёным травяным ковром, голубыми водами на дальнем плане, зеленью островков.
***
Бакст Лев
«Портрет С.П.Дягилева с няней»
1906
Холст, масло
161х116
Государственный Русский музей.
Лев Самойлович Бакст вошел в историю русского прежде всего как театральный художник и сценограф, но он был также и книжным иллюстратором, а, возможно, вы видели и его станковые полотна. Одно из самых замечательных – перед вами. Это портрет Сергея Павловича Дягилева. Он не был писателем, актером, художником, но искусство обязано ему многим. Прежде всего, его вкусу, организаторскому чутью, экономическому гению. Он был талантливым антрепренером, одним из основоположников группы «Мир Искусства», организатором великолепных презентаций русского искусства за рубежом в виде «Русских сезонов» и «Русского балета Дягилева». Признавая его таланты, друзья тем не менее называли его «диктатором от искусства» - и эта сложность и противоречивость характера точно схвачена Бакстом.
Вся многомерная натура Дягилева передана деликатно - полунамеками, полу-акцентами. В его позе соединились покой и порывистость. Друзья отмечали некоторую барственность, леность его повадки, и в то же время он все время куда-то спешил (и успевал!). Фигура максимально приближена к нам, несколько обрезана и смещена от центра – это создает ощущение движения, изменчивости, и в то же время монументальности, величественности. Элегантность, изысканность ухоженного человека несколько контрастирует с мягкой оплывшей фигурой старенькой няни, «Ариной Родионовной», как называли ее друзья Дягилева. Ее присутствие неслучайно – она открывает что-то детское, сентиментальное, теплое в характере этого петербургского денди.
Мы можем рассмотреть интерьер петербургской квартиры Дягилева – в глубине освещенного кабинета – мольберт и картины на стене. Это сразу вызывает ряд ассоциаций – перед нами человек, влюбленный в искусство, живущий им, но и постоянно демонстрирующий это.
Дягилев был очень привередливой моделью. В июне 1904 года Бакст, объясняя жене, почему не может приехать к ней, писал: «Все Сережин портрет, а он вдобавок сегодня отвратительно позировал, ломался и так приставал, чтобы я сделал его красивее и тоньше, что я чуть не пустил в него кистями!»
***
Бакст Лев
«Ужин»
1902
Холст, масло
150х100
Государственный Русский музей.
Станковое творчество мастера в основном посвящено жанру портрета и запечатлевает круг близких и знакомых художника. В работе «Ужин» изображена жена выдающегося художника, критика и учредителя объединения «Мир искусства» А. Н. Бенуа — Анна Карловна Кинд (прозванная домашними и друзьями просто Атя). Силуэтность и подчеркнутая графичность линий, контраст белого интерьера, черного наряда молодой женщины и рыжих акцентов на волосах и апельсинах создают стиль начала ХХ века. Мода на лаконизм изобразительных средств во многом сформировалась благодаря получившей распространение и популярной книжной графике и рекламе.
Сомов Константин Андреевич
В лесу. 1914
Холст, масло. 113 x 142 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Высоко ценивший живопись французского рококо, превосходный стилист К. Сомов создал свой собственный мир. В нем переплелись фантазии и реальность, жизнь и театр, век нынешний и век минувший. 3а своеобразные картины современники называли художника "певцом радуг и поцелуев", а в истории искусства за ним навсегда закрепилась слава виртуоза жанровых ретроспекций. Полотно Сомова пронизывает легкая ирония и ностальгически светлая грусть по прошедшим безоблачным временам. В уголке сумрачного леса застыла в объятиях влюбленная пара. Тишина, умиротворение окружает счастливых людей. В нескольких шагах от них небольшая поляна, освещенная солнцем, словно вторит этой тихой человеческой радости. В выборе техники живописного письма мастер следует стилю художников прошлого, работая мелкими сливающимися мазками, образующими гладкую эмалевую поверхность. Большое внимание Сомов уделяет переднему плану, заполненному молодыми порослями зеленых елочек, каждая иголочка которых тщательно выписана мастером. Зритель ощущает запах и прохладу теплого летнего дня, радуясь необычному сказочному видению.
***
Малявин Филипп Андреевич
Бабы. 1904
Холст, масло. 205 x 159 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург.
Изображенные на картине задорные и удалые бабы – яркий крестьянский типаж, визуальное воплощение физической мощи, темперамента, народного понимания красоты. Исключительная поглощенность этими образами вытеснила из сферы интересов собственно портретный жанр, с которым связано начало творческого пути живописца.
Моделями большинства полотен художника в то время были крестьянки села Аксиньино под Рязанью, где он построил себе большую мастерскую. Мажорный, яркий, огненный колорит играет решающую роль в создании эмоционального строя картины. По мнению М.А. Врубеля, восхищавшегося широтой письма и самобытностью работ художника, он обладал редким даром "натиска и восторга", вдохновенной напряженностью мироощущения.
***
Нестеров Михаил Васильевич (1862 - 1942)
Портрет О.М.Нестеровой ("Амазонка"). 1906
Холст, масло. 175 x 86 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Портрет дочери Ольги (в замужестве Шретер) написан художником на родине в Уфе, в саду своего дома при заходящем солнце.
Стройная девушка в костюме для верховой езды (амазонке) стоит на берегу реки Белой, на фоне светлого пейзажа. Портрет дочери – воплощение представлений живописца об идеале женщины, о внутренней душевной красоте, родственной спокойному элегичному вечернему пейзажу. "Люблю я русский пейзаж, на его фоне как-то лучше, яснее чувствуешь и смысл русской жизни, и русскую душу", – писал художник. Он не рассматривал себя как портретиста, считая это делом И. Е. Репина и В. А. Серова, но тем не менее уже в предреволюционные годы создал в этом жанре несколько значительных произведений, а в поздний период творчества раскрылся именно как непревзойденный мастер портрета.
Михаил Нестеров.
Святая Русь.
1901-1905. Холст, масло. 233 x 375.
Государственный Русский Музей, Санкт Петербург, Россия.
В 1901 г., желая углубить своё знакомство с духовным миром русских монастырей, художник отправился в путешествие в Соловецкий монастырь на Белом море. Под впечатлением русского Севера, суровой природы и соловецких монахов были написаны картины «Молчание», «Лисичка», «Тихая жизнь», «Обитель Соловецкая», «Мечтатели», «Соловки». Но на этом перечень его произведений с «соловецкими мотивами» не заканчивается — они ещё долго звучали на его картинах.
Целью путешествия Нестерова в Соловецкий монастырь частично были также художественные поиски, связанные с замыслом большой программной картины «Святая Русь», которая должна была подвести итоги его творческого пути. Весной 1902 г. художник решился выставить на публичное обозрение «вчерне» законченную работу. Содержание полотна точно передаёт второй вариант названия: «Приидите ко Мне все труждающиеся и обременённые и Аз успокою вы» — на ней изображён Христос в окружении святых и обременённые тяжкой ношей жизни странники (народная Россия), пришедшие к Нему каждый со своей бедой. С Киевским показом «вчерне» законченной «Святой Руси» было связано знакомство, которое оказалось переломным в жизни Нестерова. Пришедшая посмотреть его картину Екатерина Петровна Васильева спустя несколько месяцев стала его женой.
Михаил Нестеров.
Великий постриг. 1898
Холст, масло. 178 x 195 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
В конце 1890-х художник задумал цикл картин о трагической судьбе русской женщины. Образы героинь были навеяны ему романом П.И. Мельникова-Печерского "В лесах".
Художник показывает грустную процессию обитателей маленького скита, затерянного среди густых лесов, провожающих в монастырь юную девушку. Последний свой путь перед отречением от мирской жизни она проходит вместе с торжественной процессией по песчаной дорожке ранним утром. "Тема печальная, но возрождающаяся природа, русский север, тихий и деликатный ... делает картину трогательной, по крайней мере для тех, у кого живет чувство нежное", – писал художник.
За это полотно в 1898 году Михаилу Нестерову было присвоено звание академика.
Михаил Нестеров.
Преподобный Сергий Радонежский.
1891-1899. Холст, масло. 248 x 248.
Государственный Русский Музей, Санкт Петербург, Россия.
М.В.Нестеров, как и Ф.М.Достоевский, верил, что для России спасение "из народа выйдет, из веры и смирения его", и на своих полотнах стремился утвердить реальный нравственный идеал, в поисках которого часто обращался к прошлому России. И нашел этот идеал в Сергии Радонежском - основателе Троице - Сергиева монастыря, великом подвижнике, чудотворце, собирателе и заступнике земли русской.
Часто бывая в Троице-Сергиевой лавре, Нестеров вошел в мир народных преданий и верований, связанный с Сергием Радонежским.
Образ Сергия Радонежского не переставал волновать художника на протяжении всей его жизни. За более чем 50 лет творческой работы Нестеров создал 15 больших произведений, посвящённых его излюбленному герою. Первой в этой серии была картина Видение отроку Варфоломею. Далее следовали «Юность преподобного Сергия» (1892—1897), триптих «Труды преподобного Сергия» (1896—1897), «Преподобный Сергий» (1898) и «Прощание преподобного Сергия с князем Дмитрием Донским» (эскизы, 1898—1899). Последняя картина так и не была полностью написана художником, осталась только в эскизах.
Сергий для художника - не схимник, не подвижник, а исторический деятель - "игумен земли русской". Его деяния М.В. Нестеров изучал не по житиям, а по хроникам да по летописям, поэтому в нестеровских отшельниках и святых нет и тени покаяния и молитвенного экстаза, да и живут они не в закопченной келье, а среди великой русской Природы. Сам художник так говорил об этом: "Я не писал и не хотел писать историю в красках. Я писал жизнь хорошего русского человека XIV века, чуткого к природе и ее красоте, по-своему любившего родину и по-своему стремившегося к правде. Я передаю легенду, сложенную в давние годы родным моим народом о людях, которых он отметил любовью и памятью".
***
Фешин Николай Иванович (1881-1955).
Портрет неизвестной. 1908
Холст, масло. 102 x 79 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
НИКОЛАЙ ИВАНОВИЧ ФЕШИН — виртуозный живописец и мастер рисунка, скульптор, великолепный резчик по дереву и замечательный педагог — все превосходные степени не будут преувеличением для этого художника. Если определять одним словом суть его творчества, то это слово будет «маэстро». В жизни Н. Фешина были и взлеты, и драмы: нищета и благополучие, признание и забвение, потеря России и обретение Америки, большая любовь и трагедия разрыва, семья и одиночество, — но что бы ни происходило, всегда спасало искусство, которое было целью, смыслом, образом жизни — было для Фешина всем. Его отец, резчик иконостасов, стал рано привлекать мальчика к своим работам. В четырнадцать лет Фешин поступил в Казанскую художественную школу, а в 1901 г. по ее рекомендации был принят в Высшее художественное училище при АХ, где вскоре перешел в мастерскую И. Е. Репина. Восприняв от учителя его позднюю манеру широкого свободного мазка, основанную на подлинном владении рисунком, Фешин обнаружил самобытный дар колориста, сознательно ограничившего краски своей палитры. Последние академические годы отмечены признанием фешинского таланта: "Портрет неизвестной" (1908) был приобретен музеем АХ и в следующем году удостоен золотой медали на международной выставке в Мюнхене. Источник :
