Экскурсия по Русскому музею 008 - 28 Апреля 2018

Главная » 2018 » Апрель » 28 » Экскурсия по Русскому музею 008

21:04

Экскурсия по Русскому музею 008

***

***

Константин Егорович Маковский
Портрет Ю.П.Маковской [1881]
Холст, масло. 184x78 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Портрет Юлии Павловны Маковской – любимой модели художника на протяжении многих лет – относится к периоду наивысшего расцвета творчества Маковского, отличается свободной манерой письма, смелыми цветовыми сочетаниями, необычностью композиционного решения.

***

Маковский Константин Егорович
Семейный портрет. 1882
Изображена Ю.П.Маковская (1854-1959) с детьми Сергеем (1877-1962) и Еленой (1878-1867)
Холст, масло. 183 x 139 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург.
Константин Егорович Маковский является представителем одного из любопытнейших художественных кланов XlX век. Выросший в атмосфере искусства (его отец был одним из учредителей Московского училища живописи, ваяния и зодчества), юноша избрал путь живописца.
Константин Маковский в отличие от старшего брата Владимира - художника-передвижника своим творчеством представляет альтернативную линию живописи - ее «салонный» вариант. Чуждый остросоциальным проблемам времени, он посвятил творчество эпохе Руси XVII века, в которой его привлекали антураж расписных царских палат, великолепие расшитых золотом и жемчугами нарядов. Будучи, по выражению современников, «человеком - оркестром», «бонвиваном» и франтом, Маковский заручился поддержкой великосветского общества, вся русская знать мечтала быть запечатленной кистью маэстро, а члены царской фамилии называли его «своим художником».
В «Семейном портрете» живописец изобразил свою жену - Юлию Павловну Леткову с детьми - Сергеем (будущим известным художественным критиком) и Еленой (ставшей скульптором и графиком). Маковский с присущей ему живописной эстетикой старается наградить своих героев б6льшей привлекательностью. Мастерская, в которой был написан портрет, в полной мере передает атмосферу роскоши и любовь хозяев дома к красивым предметам.

Кившенко А.Д.
Сортировка перьев. 1891
Холст, масло
55,5 х 106
Государственный Русский музей, С.-Петербург.
А.Д. Кившенко работал в разнообразных жанрах — исторической и бытовой картине, пейзаже, анималистике. Данную картину он написал в тот год, когда сопровождал археологическую экспедицию Н. Кондакова в Палестину и Сирию. Оттуда художник привез много этюдов, повествующих о быте народов Ближнего Востока. Возможно, под впечатлением от общения с людьми Востока художник создает одну из лучших своих картин, посвященной быту русских крестьян. В ней едва ли не впервые в русском изобразительном искусстве отразился переход к новому типу бытовой картины: от поэтического, простодушно-трогательного изображения быта крестьян, характерного для 1880-х к новому периоду 1890-х, в которых нашла отражение правда жизни русского крестьянства, сложность социальных отношений в этой среде.

Маковский Владимир Егорович
Дети в мастерской художника. 1909.
Холст, масло
Государственный Русский музей, С.-Петербург.
Один из организаторов Московского училища живописи и ваяния (МУЖВ) Егор Иванович Маковский многое делал для того, чтобы его трое сыновей и дочь полюбили изобразительное искусство. Можно утверждать, что все дети Е.И. Маковского внесли заметный вклад в русское искусство.Владимир Егорович Маковский прославился как замечательный жанрист и видный деятель Товарищества передвижных художественных выставок. Получив солидное художественное образование в МУЖВЗ (1861—1866), Владимир повторяет путь своего старшего брата Константина и поступает в Петербурге в Академию художеств. Уже в 1869 году он выпускается из Академии с золотой медалью и званием классного художника первой степени. Начинается самостоятельная творческая жизнь В.Е. Маковского, которая окажется исключительно целостной. Более пятисот написанных им картин посвящены, за редким исключением, сценам жизни окружающих художника людей. Иногда в полотнах присутствует резкое обличение общественного порока, но чаще в них содержится легкая ирония над происходящим или даже добрая усмешка.Наверное, художник не полностью реализовался в портретном жанре: его портреты И.М. Прянишникова, И.С. Цветкова, автопортрет, написанный в 1905 году, свидетельствуют о высоком потенциале В.Е. Маковского в этом виде живописного искусства. Привлекательный, пользовавшийся большим авторитетом у коллег Владимир Егорович Маковский — художник, исключительно плодотворно поработавший во славу русской живописи.

Маковский Владимир Егорович
Ночное. 1879.
Холст, масло
Государственный Русский музей, С.-Петербург.
Тема картины возникла под впечатлением рассказа Тургенева "Бежин луг". Тургенев был одним из любимых писателей Маковского. Крестьянские дети с их непосредственностью, их близостью к природе привлекали, волновали художника. Не случайно поэтические образы крестьянских детей пройдут сквозь все его творчество*. Не раз возвращался он и к теме "Ночное", находя все новые краски, новые нюансы в захватившем его мотиве. Наиболее удачная из этих картин – поздний вариант его конкурсной работы "Ночное" (1879), находящийся в коллекции Государственного Русского музея в Санкт-Петербурге.
Картина В.Е.Маковского "Ночное" совпадает по теме с рассказом Тургенева "Бежин луг", но не является прямой иллюстрацией, так как в деталях расходится с ним: у Тургенева пять мальчиков, на картине – семь мальчиков и девочка; на картине нет костра, отсутствует фигура охотника. Но фигура мальчика, что-то рассказывающего, слушатели-подростки, захваченные интересным рассказом, фон картины – раннее летнее утро до восхода солнца, фигуры пасущихся вдали лошадей – все это тургеневские черты; они вызывают в памяти зрителей пейзажи и характеристики мальчиков из "Бежина луга". Мы пытаемся отыскать на картине героев тургеневского рассказа, мальчиков Федю, Павлушу, Илюшу, Костю и Ваню.
"...утро зачиналось. Еще нигде не румянилась заря, но уже забелелось на востоке...". Пейзаж Тургенева дает по времени более раннюю картину рассвета: у Маковского восток уже окрашен, к бледно-серому уже приближается золотисто-алый тон разгорающейся зари. Более созвучен картине второй, заключительный в рассказе пейзаж. Этот пейзаж как бы продолжает видимое на картине: здесь и "редеющий туман", закрывающий горизонт, и "алые, потом красные, золотые потоки молодого, горячего света", озаряющие лица и фигуры детей.
Какое изображение природы полнее и разностороннее: на картине или словесное? На картине невозможно изобразить мигание звезд, изменчивость цвета неба, появляющуюся сырость (росу), раздавшиеся звуки, порхание ветерка... На полотне художник запечатлел один момент пейзажа, – в словах писателя дана в движении картина рассвета и восхода солнца.

Маковский Владимир Егорович
Крах банка. 1880
Холст, масло. 68 x 104 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург.

В период расцвета творчества художника была написана картина «Крах банка». Сюжет полотна основан на реальном историческом факте – разорении частного Ссудного банка Москвы. В результате многочисленных коммерческих махинаций в середине 1870-х гг. клиенты этого банка – в основном, представители среднего класса — потеряли практически все свои сбережения. Маковский запечатлел эпизод, когда обманутые вкладчики, в надежде получить хотя бы часть своих средств, вбегают в банк. Лица их полны изумления и возмущения, оставшиеся без денег, они еще не могут до конца поверить в случившееся.
Маковскому с невероятной психологической точностью удалось показать целую галерею уникальных типов и характеров. В позах, жестах, мимике собравшихся открываются разные реакции на одно и то же событие. Один громко возмущается и желает знать, что делать дальше, другой, мрачно понурившийся, — ушел в себя, подавленный потерей средств к существованию. Пожилая женщина, не выдержав обмана, падает без чувств, взволнованная зажиточная барыня хватает за руку жандарма, словно призывает его со всем разобраться. Каждый из них беспомощен в этой ситуации, и только один банковский работник, в ожидании крупного куша, радостно потирает руки.
Большую роль играет выбранная художником палитра работы. Расцветка картины холодная, с преобладанием черного, синего и серого цветов, мягких и неярких. Подобные тона позволяют показать позы и лица более выразительными.
Картина «Крах банка» стала живописным выражением сочувствия и сострадания к обманутым людям. Написанная больше века назад, она и по сей день не теряет своей актуальности, не просто показывает прошлое, но призывает задуматься над настоящим и будущим.

Маковский Владимир Егорович
Свидетели 1884 г.
Холст, масло.
Государственный Русский музей, С.-Петербург.

Маковский Владимир Егорович
Ночлежный дом, 1889.
масло, холст
94 ? 143 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург.
Обилие тем, затронутых в творчестве В. Е. Маковского, позволило говорить современникам о нем как об авторе, создавшем в живописи энциклопедию русской действительности. В картине "Ночлежный дом" художник показал страдания обездоленной городской бедноты. Не имеющие пристанища старики и старухи, нищие и приехавшие на заработки крестьяне, дрожа от холода, ожидают, когда откроются двери ночлежки. Как всегда у Маковского, характеристики самых разнообразных типов остры и жизненно правдивы, художественный язык прост и понятен.

Кузнецов Николай Дмитриевич 1850 - 1929
В отпуску. 1882
Холст, масло. 66 x 94 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Его бытовые картины, не несущие особой обличительной нагрузки, представляют собой живописные фрагменты из жизни крестьян средней полосы России. Его пейзажи или действо на фоне природы отмечены хорошим рисунком, продуманной композицией, тщательным выполнением. Многие портреты известных деятелей культуры Н.Д. Кузнецов писал по заказу П.М. Третьякова.
С 1897 по 1920 год художник жил в Одессе. Умер Н.Д. Кузнецов в эмиграции в городе Сараево, входящего в те времена в Сербское государство.

Савицкий К.А.
На войну. 1888.
Холст, масло
207,5 х 303,5
Государственный Русский музей, С.-Петербург
Показ драматических событий крестьянской жизни, тяготение к созданию больших картин-эпопей, эмоциональная напряженность сцен отличают творчество Савицкого, мастера сложных многофигурных композиций. Важную роль в реалистической направленности его искусства сыграло состоявшееся еще в годы обучения в Академии художеств знакомство с Крамским, ставшим идейным наставником и другом Савицкого. Вскоре после образования Товарищества передвижных художественных выставок Савицкий заявил себя одним из самых активных его членов. Во многом продолжая обличительную линию «шестидесятников», Савицкий в то же время стремился к созданию положительных крестьянских образов.
Эта важная тенденция развития искусства критического реализма 1870–1880-х годов нашла отражение в картине «На войну». Замысел картины был навеян впечатлениями, связанными с русско-турецкой войной 1877–1878 годов. Художник работал над этим огромным по размерам полотном почти десять лет.
Первый вариант картины, дошедший до нас во фрагментах, был закончен в 1880 году, но он не удовлетворил мастера. В течение последующих восьми лет Савицкий трудился над вторым вариантом произведения, достигнув в нем значительно большего художественного обобщения. Типичная для военных лет сцена проводов на войну трактована как народное горе. Художник прежде всего стремится передать настроение безысходности, показать чувства солдат и провожающих их близких в минуту разлуки перед отправкой воинского эшелона. В толпе выделено несколько групп, в каждой из которых по-разному выражено душевное состояние персонажей. В картине нет единого центра, ни одна группа не главенствует, все они внутренне взаимосвязаны, подчинены общей идее и лишь в совокупности полностью ее раскрывают. Художник передает многочисленные оттенки личных человеческих переживаний от исступленного отчаяния женщины, разлучаемой с мужем, до безмолвного горя старухи, припавшей к груди сына. Образ этого немолодого, окруженного семьей, сурового, сдерживающего свои чувства крестьянина отличается убедительной психологической характеристикой. Среди новобранцев особенно выделен молодой солдат, растерянно обернувшийся напоследок к рвущейся к нему жене. Источник:

Экскурсия по Русскому музею. Картина.

22 апр, 2018 в 14:08

vik6169

***

Савицкий К.А.
Путешественники в Оверни 1876
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Савицкий Константин Аполлонович (06.06.1844–13.02.1905) – русский жанровый живописец, академик, действительный член Императорской Академии художеств, член Товарищества передвижных художественных выставок, педагог.
Оверни – административный регион Франции, расположенный на территории Центрального горного массива. Высочайшая вершина – гора Санси (1886 м). Оверни богат минеральными водами и термальными источниками.

***

Платонов Х.П.
Наймичка. 1886 г.
Масло, холст. 115,5х69,5.
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Платонов, Харитон Платонович (1842-1917)
Родился в Ярославской губернии в крестьянской семье.
С 1859 по 1870 год прошёл обучение в Императорской Академии художеств. Награждался медалями Академии «За успех в рисовании» — в 1862 году малой серебряной, 1863 — большой серебряной, в 1867 снова малой серебряной
В 1870 году выпустился из Академии, с получением звания классного художника третей степени и был направлен преподавателем в Царскосельское уездное училище)
Излюбленный сюжет Харитона Платонова — типы молодых девушек с выражением элегического настроения.

Поленов Василий Дмитриевич
Больная. 1886
Холст, масло
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картина была задумана Поленовым в 1873 году под впечатлением знакомства в Риме с Елизаветой Богуславской, русской студенткой, приехавшей за границу учиться, тяжело заболевшей и умершей от туберкулеза легких. Лиза стала первой моделью для картины Смерть девушки, осуществленной позже под названием Больная. Глубоко поразила художника в это время и смерть в Риме юной Маруси Оболенской, которой Поленов увлекся во время пенсионерской поездки.
Тогда же, в 1873 году, был выполнен первый эскиз к картине. Продолжена работа над полотном была в 1881 году после смерти горячо любимой сестры-близнеца Веры и закончена в год смерти сына-первенца. Непосредственное чувство художника, пережившего боль потери близких ему людей, чувство неотвратимой смерти, беспомощности перед ней и недоумения перед ее бессмысленной беспощадной неразборчивостью, уносящей совсем еще юные жизни, – все это нашло воплощение в Больной. Как ни в каком другом произведении Поленова здесь ясно выразилось непосредственное чувство художника, его мироощущение.
Трагическое приближение смерти ощущается в обволакивающей комнату сине-пепельной тьме, поглощающей фигуру девочки-подростка, в ее осунувшемся лице с большими, наполненными мукой глазами, в скорбном силуэте женщины с безнадежно склонившейся головой, в тревожных, едва проникающих из-под задернутой шторы проблесках синего рассвета, спорящих с теплым светом настольной лампы. Но постепенно внимание зрителя привлекает изумительный по красоте живописи натюрморт с лампой под зеленым абажуром. Лампа отбрасывает мягкий теплый свет, и его радужные розовато-золотистые отблески падают на край постели больной, играют желтовато-оливковыми бликами на стакане и графине с водой, насыщают цветом потрепанные и выгоревшие обложки книг и, наконец, соединяют все эти цвета в приглушенных тонах красно-коричневой скатерти. По своему богатству и изысканности красочных сочетаний это — один из самых красивых натюрмортов в русском искусстве второй половины XIX века. Благодаря своей цветовой разработке он становится своеобразным символом вечной красоты этого мира, ощущение которой не утрачивается художником даже перед лицом страдания и смерти.

***

Василий Дмитриевич Поленов
Арест гугенотки Жакобин де Монтебель, графини д'Этремон.1875.
Холст, масло 135 x 88 см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Ещё обучаясь в академии художеств, Василий Поленов решил, что его генеральным направлением в искусстве будет именно историческая живопись. Неудивительно, что живописец много работал в излюбленном жанре и достиг значительных успехов, создав ряд картин с явным отпечатком индивидуальной стилистики и личного почерка, хоть и не без заметного влияния французской салонной живописи. Одной из ярких работ на историческую тематику является «Арест гугенотки Жакобин де Монтебель, графини д'Этремон», написанной в 1875 году.
Картина это была заказная, и заказал её мастеру никто иной как цесаревич Александр. Сюжет картины целиком и полностью посвящён второй жене лидера гугенотов графини д'Этремон.
Весь ужас противостояния на религиозной почве можно почувствовать, глядя на эту картину. Лицо героини, выхваченное лучом искусственного света, спокойно и гордо, а веки опущены, но в глазах читается внутренняя скорбь о своей несчастной судьбе, ведь ей как никому другому известна судьба протестантов-гугенотов – их безжалостно истребляли, мучали и сжигали на кострах.
Фигуры стражников горды и величавы – всё в их облике демонстрирует гордость за происходящее, они поймали ещё одного врага веры и власти. Каждый непоколебим в своих поступках и мировоззрении.
Колорит картины как будто воссоздаёт документальные кадры – ночь, тёмные улицы, из чёрной ниши выводят жену лидера-протестанта. Серые и коричневые цвета как нельзя лучше передают настроение картины, всю безнадежность и драматичность момента.
Холодный свет, идущий от невидимых зрителю факелов, только усугубляют общий характер, давая возможность лучше рассмотреть несчастное лицо героини, а играя на доспехах стражников, он демонстрирует непреодолимую силу власти, против которой гугенотом не выстоять.
Картина Поленова очень понравилась и публике, и заказчику. Она много путешествовала по различным выставкам, а её создатель удостоился звание академика.

***

Репин И.Е.
Портрет физиолога И.Р.Тарханова (Тархнишвили, Тархан-Моурави)
1892
Холст, масло. 116 х 93
Справа внизу: 1982 И.Репинъ
Государственный Русский музей

Портрет поступил в Русский музей в 1931 году из собрания Е.П.Тархановой-Антокольской.

Тарханов (Тархнишвили, Тархан-Моурави) Иван Рамазович (1846-1908) – выдающийся физиолог, академик, ученик И.М.Сеченова. Работал в различных областях физиологии: изучал функции центральной нервной системы, в том числе явления сна, гипноза, вопросы секреции, влияния на организм внешних воздействий; занимался проблемами социальной гигиены. Одним из первых обнаружил действие рентгеновских лучей на организм; открыл кожно-гальваническую реакцию и ряд других феноменов. Член ряда отечественных медицинских обществ, общества естествоиспытателей, Академии в Галле, член-корреспондент Парижского биологического общества.

***

Репин И.Е.
Портрет музыкального деятеля М.П.Беляева
Холст, масло. 125 х 89
Справа внизу: И.Репинъ 1886
Государственный Русский музей

Портрет поступил в Русский музей в 1904 году от М.П.Беляева (по завещанию).

Беляев Митрофан Петрович (1836-1903) – лесопромышленник, меценат, активный пропагандист русской музыки. В 1880-1890-е Репин посещал его музыкальные пятницы, известные под названием «Беляевский кружок».
Особенно ценил сам Репин портрет Беляева . А.И.Кудрявцев по заказу музыкального общества сделал копию с этого портрета. Репин ее одобрил. Стал смотреть на портрет: «А знаете, как он почернел; а ведь вначале он был светлый, сверкал... Бриллиант на кольце так был написан, что прямо сверкал; когда портрет был за границей, то в одном немецком журнале появилась карикатура на него. Был изображен Беляев, и весь портрет был исчиркан лучами света, исходившими от бриллианта...» (Из дневника Воинова В.В.)

***

Репин И.Е.
Портрет графини Н.П.Головиной. 1896
Холст, масло. 90 x 59 см
Государственный Русский музей, С.-Петербург

Доброжелательное отношение И. Е. Репина к Русскому музею способствовало тому, что коллекция работ художника заняла одно из ведущих мест в его собрании. Она уникальна по своей художественной значимости и объему. В канун открытия, в 1897 он подарил музею портрет графини Н. Головиной. Тип парадного женского портрета был одним из самых распространенных в русской и западно-европейской живописи второй половины ХIХ века. Репин был далек от создания своего рода стереотипа светских красавиц. И, хотя портрет сделан по всем правилам европейской парадной картины, его отличает поразительный дар художника передать главную "идею" эпохи в частных судьбах и характерах людей. Одна из самых привлекательных черт репинского творчества тесно связана с русской демократической эстетикой второй половины ХIХ века – умением раскрыть обаяние простоты. Он был удивительно тонким и умным мастером в передаче чарующего обаяния женского образа. Как никто другой И.Е. Репин мог схватить и воспроизвести тончайшие нюансы внутреннего и внешнего облика женщины, ее светлого и чистого начала. Современники называли его "мастером человековедения", таким образом, определив ему высокий пьедестал, который он занял в европейском портретном искусстве второй половины ХIХ века. Источник: