Экскурсия по Русскому музею 011 - 29 Апреля 2018

Главная » 2018 » Апрель » 29 » Экскурсия по Русскому музею 011

21:20

Экскурсия по Русскому музею 011

***

***

Валентин Александрович Серов.
Портрет княгини З. Н. Юсуповой. 1902.
Холст, масло. 181,5х133
Государственный Русский Музей, Санкт Петербург, Россия.

Великолепна княгиня Юсупова на парадном портрете кисти Серова. Светская дама, аристократка до кончиков пальцев. Платье выдает изысканный вкус и неукоснительное следование моде. Княгиня могла бы украсить самый взыскательный модный журнал начала двадцатого века.
Интерьер комнаты словно создан специально для портрета - настолько он гармонично дополняет модель. Собачка на портрете не случайна. Она неотъемлемая часть парадных портретов со времен итальянского Возрождения.
Княгиня на портрете мила и любезна. Взгляд ее рассеян. Взгляд зрителя притягивает интересная деталь: правая рука княгини, лежащая на коленях. Тонкая, бледная, точеная. Серов с особым тщанием выписывал эту деталь, так элегантно раскрывающей характер графини Юсуповой.

***

Валентин Серов
Портрет С.М.Боткиной. 1899
Холст, масло. 189 x 139 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург.

Валентин Серов очень любил писать портреты, не находя в этом ничего скучного или однообразного. Среди самых известных портретируемых — царская семья и их ближайшее приближение. Любил художник изображать и своих лучших друзей, их детей («Девочка с персиками», «Мика Морозов») и жён. На представленном полотне – София Михайловна, жена коллекционера и купца Петра Боткина, своячница знаменитого доктора.
Картина относится к жанру парадного портрета, однако, имеет целый ряд индивидуальных особенностей, идущих вразрез с традиционными чертами данного жанра: пустой фон, контрастность, асимметрия в композиционном построении, нефотографическое изображение девушки, но психологическое. Серов продумал каждую деталь – отсутствие фона ещё больше сосредотачивает внимание на фигуре, «тяжеловесный» с золотой драпировкой диван служит контрастом для лёгкой изящной фигурке девушки с гордой осанкой, ярко очерченное лицо, которой спокойно и несколько задумчиво. Тёмный фон и яркие одежды создают ощущение одиночества и уязвимости. Это грустное ощущение усугубляет маленькая собачка, которую не сразу и заметно, прижавшаяся к стану своей хозяйки.
Нетрудно догадаться, как относился сам мастер к своей модели. Искусствоведы уже давно приметили, что только те женские образы у Серова получаются красивыми, благородными, симпатичными и мягкими, которые импонируют самому Серову. И глядя на портрет прекрасной, но печальной молодой особы, можно с уверенностью сказать, что художнику она, несомненно, нравилась.

Серов В.А.
Купание лошади. 1905
Холст, масло. 72 x 99 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

По одной из версий, эта картина была написана на берегу Финского залива, вблизи дачи художника. На ней – реальные персонажи, сын Александр и лошадь Риллика.
Композиционный центр картины – 2 фигуры: лошади и слева от нее наклонившегося к воде мальчика. Элегантное и грациозное животное, лошадь спокойно стоит в неглубокой воде и покорно ждет. Фигура подростка, напротив, динамична и выдает тайную спешку и стремление к движению. На заднем плане слева едва различимы силуэты плещущихся детей. Именно к ним устремлен взгляд мальчика, купающего коня, обращенного к зрителю затылком.
Мастерски переданы тени на воде, блеск мокрых тел, линии волн, цветовая гамма неба. Приглушенные тона подчеркивают светлую печаль художника по времени ушедшей юности с ее беззаботностью и яркостью мироощущений. Волнение Серова передается зрителю через обилие волнистых – выгнутых и вогнутых – линий. Мнимая простота пейзажа, не отягощенного дополнительными деталями, гармонирует с энергичной манерой письма.
В том, как тщательно прорисована стать лошади, выразилась любовь художника к лошадям и к животным вообще, которые «лучше людей: и красивее, и веселее, и просто лучше».
«…Картина энергией ветра полна,
И светится бронзой подростка спина,
Где яркие блики играют,
В себя лучи солнца вбирая.
А волны, ласкаясь, ложатся у ног,
И веет прохладой морской ветерок,
Затем зной волною потянет,
Но снова прохладой поманит…». (И. Есаулков)

***

Серов В.А.
Портрет А.Я.Симонович. 1889
Холст, масло. 87 x 69 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Аделаида Яковлевна Симонович (1872–1945), в замужестве фон Дервиз, двоюродная сестра Серова, жена математика Валериана Дмитриевича Дервиза. Портрет написан в имении Дервизов Домотканово Тверской губернии. В портрете воплощаются основные импрессионистические идеи, воплощающиеся в обаянии образа юности и в сверкающей цветотональности.

Серов В.А.
Портрет Иды Рубинштейн. 1910
Холст, уголь, темпера. 147 x 233 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Портрет принадлежит к числу выдающихся образцов русского модерна. Его стилистика продиктована особенностями облика и характером искусства модели — известной танцовщицы, прославившейся исполнением партии Шехеразады в одноименном балете на музыку Н. А. Римского-Корсакова, осуществленном антрепризой С. П. Дягилева в Париже.
Знаменитая танцовщица представлена обнаженной, без всякой идеализации формы. Напротив, художник выявляет и подчеркивает угловатую, резкую пластику ее тела. Лаконизмом цвета и рисунка картина напоминает плакат или стенную роспись. Художник отказывается от деталей, изображения окружающей обстановки, сосредоточив все внимание на пластике, выражающей главное существо Иды Рубинштейн.
Рубинштейн Ида Львовна (1880–1960), артистка балета, ученица А. П. Ленского и М. М. Фокина. Участвовала в двух первых Русских сезонах С. П. Дягилева.

***

Серов В.А.
Портрет княгини Ольги Орловой
1911
Холст, масло. 237,5 x 160
Государственный Русский музей

Великолепный, эффектный портрет княгини Ольги Константиновны Орловой, урожденной Белосельской-Белозерской (1872—1923), написан в последний год жизни художника. Он стал одним из высших достижений его творчества.
В созданном им портрете-картине живописец уделяет значительное внимание интерьеру дворца княгини. Подробно охарактеризован и туалет княгини, слывшей самой модной дамой Петербурга. Ее поза подчеркнуто картинна, собольи меха и драгоценности поражают великолепием, она вся — демонстрация респектабельности и надменного высокомерия.
Стремление к большому стилю, совершенство пластического решения, колористически тонкая живопись — все направлено на раскрытие психологической сути модели, отличавшейся экстравагантностью поведения: "А я — Ольга Орлова, и мне все позволено".
В разговоре с заказчицей художник обмолвился, что для него весь интерес портрета заключен в модной шляпе, только что доставленной из Парижа. Владелица портрета, не высказывая открыто своего недовольства, вскоре, однако, заказала свой портрет другому, модному в то время салонному художнику, а эту работу подарила Русскому музею.

Борис Михайлович Кустодиев
Купчиха за чаем [1918]
Холст, масло. 120x120 см
Государственный Русский музей,
Санкт-Петербург

Картина «Купчиха за чаем» уникальна по своей впечатляющей силе и гармонической цельности. В сидящей на балконе за столом, уставленным яствами, дебелой, необъятной толщины русской красавице, образ купчихи приобретает подлинно символическое звучание. Большую смысловую нагрузку несут в полотне детали: трущийся о плечо хозяйки толстый ленивый кот, купеческая чета, пьющая чай на соседнем балконе, изображенный на заднем плане город с церквами и торговыми рядами и, в особенности, великолепный «гастрономический» натюрморт. Спелый красный арбуз с черными косточками, жирный кекс, булочки, фрукты, фарфор, большой самовар — все это написано необыкновенно вещно и осязаемо и в то же время не иллюзорно, а нарочито упрощенно, как на лавочных вывесках.
В голодный 1918 год, в холод и разруху больной художник мечтал о красоте, полнокровной яркой жизни, обилии. Однако смакование сытого, бездумного существования сопровождается здесь, как и в других произведениях Кустодиева, легкой иронией и беззлобной усмешкой. Ирония, гротеск, декоративная стилизация, сочетание натурной наблюдательности с выдумкой сближают Кустодиева с другими мирискусниками. Вместе с тем, творчество Кустодиева более оптимистично, жизнерадостно и национально.
Помимо станковых произведений Кустодиев, работавший также и в советскую эпоху, выполнил ряд книжных иллюстраций и театрально-декорационных оформлений.

***

Борис Михайлович Кустодиев
Портрет Ф.И.Шаляпина [1922]
Холст, масло. 99x80 см. Государственный Русский музей,
Санкт-Петербург

Известно, что художник боготворил певца. И Шаляпин называл Кустодиева "бессмертным".
Вот слова, сказанные певцом в его книге "Маска и душа" о художнике:
"Всем известна его удивительно яркая Россия, звенящая бубенцами и масленой. Его балаганы, его купцы Сусловы, его купчихи Пискулины, его сдобные красавицы, его ухари и молодцы – вообще все его типические русские фигуры... сообщают зрителю необыкновенное чувство радости. Только неимоверная любовь к России могла одарить художника такой веселой меткостью рисунка и такой аппетитной сочностью краски".

Шаляпин – волжанин. В юности судьба привела его однажды с семьей в Астрахань, на родину Кустодиева. Но не эти внешние признаки роднят великих русских творцов.
Их сближает удивительная одаренность, мощь таланта и в то же время поражающая тонкость понимания русского уклада жизни во всех его проявлениях.
Шаляпин отлично чувствовал глубину проникновенности кустодиевского таланта и широту его обобщенных образов.
"Много я знал в жизни интересных, талантливых и хороших людей, – вспоминал Федор Иванович. – Но если я когда-либо видел в человеке действительно высокий дух, так это в Кустодиеве... Нельзя без волнения думать о величии нравственной силы, которая жили в этом человеке и которую иначе нельзя назвать, как героической и доблестной”.

***

Борис Михайлович Кустодиев
Купчиха, 1915
Холст, масло. 204x109 см
Государственный Русский музей,
Санкт-Петербург

Кустодиев открыл живописи тему провинции — хранительницы традиций национальной культуры. В его холстах большие и малые города русской „глубинки“ увлекательны для глаза веселой смесью архитектурных стилей, старого и нового в быту и одежде, любовью их жителей к ярким и звучным краскам. Картина „Купчиха“ решена как портрет-панно. Художник как бы „демонстрирует“ красавицу — ее дородная фигура помещена в центре полотна, приближена к первому плану, подчиняя себе пейзаж.
Облик героини близок народному идеалу красоты. Это — пышнотелая замужняя молодая женщина. Она показана в характерной для нее среде, на фоне улицы, уступами спускающейся к реке, пестрых вывесок и бойкой торговли фруктами. Выглядывающий из лавки приказчик то ли зазывает купчиху сделать покупки, то ли приглашает зрителя полюбоваться ею, с большим достоинством несущей свою статную фигуру в закрытом нарядном платье. Строгая и замкнутая, со здоровым румянцем на щеках и опущенными долу большими карими очами, она необыкновенно мила и привлекательна.

Борис Михайлович Кустодиев
Гулянье на Волге. 1909
Холст, масло. 100 x 125 см
Государственный Русский музей,
Санкт-Петербург

На картине "Гулянье на Волге", показаны набережная с гуляющими людьми, Волга, живописный противоположный берег реки. Высокая точка зрения позволила мастеру охватить широкую праздничную панораму.
По аллее на крутом берегу, где когда-то в гостинице "Эрмитаж" в 1906 году останавливался Б.М. Кустодиев, прогуливаются купцы и купчихи, приказчики, половые, военные, странники. Оживает картина Кустодиева "Гулянье на Волге". Празднично нарядные люди гуляют под музыку духового оркестра. В палатке торгуют сладостями и кондитерскими изделиями, работает уличная чайная, где каждый желающий может испить самоварного чайку. Чуть дальше исполняют русские романсы. И барыни, и беседка, и чайная лавочка, и всё остальное, что ни на есть типично русское: и наряды купчих, и ампирные домики, и кисельно - красная церковка.
Картина написана со второго этажа гостиницы, бульвар мы видим как бы сверху. На той стороне Волги - наш красавец Воскресенский собор. Видна пристань пароходного общества «Самолет». На этом коротком промежутке бульвара было несколько пристаней, каждая со своей деревянной лестницей вниз - берег очень высокий. Каждое пароходное общество, а их было несколько: «Русь», «Надежда», «Братья Любимовы», «Кашин», имело собственную пристань и свои пароходы. Некоторые приходили по расписанию почти одновременно и от поворота реки на Ярославль устраивали гонки. Горожане знали и приходили сюда на бульвар смотреть, кто нынче обгонит.

***

Серов Валентин Александрович (1865 - 1911).
Портрет Александра III с рапортом в руках. 1900
Холст, масло. 160 x 107 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Александр III (1845-1894), российский император (1881-1894). Сын императора Александра II и императрицы Марии Александровны. Не будучи по рождению наследником, готовился главным образом к военной деятельности. Цесаревичем стал после смерти в 1865 году старшего брата Николая. Наибольшее влияние имел на наследника и в годы его правления обер-прокурор Святейшего Синода Константин Петрович Победоносцев. После вступления на престол в результате убийства отца провел ряд так называемых контрреформ. Усилил роль полиции, местной и центральной администрации, цензуры, ограничил функции земств, упразднил университетскую автономию. После завершения присоединения к России Средней Азии в 1885 году все время царствования Александра III носило миролюбивый характер, в результате чего в дореволюционной литературе он именовался Миротворцем. Среди предметов его увлечения были история, живопись, музыка – императору принадлежала инициатива создания Русского исторического общества, его имя было присвоено первому государственному собранию отечественного изобразительного и прикладного искусства – Русскому музею, основанному в 1895 и открытому для публики в 1898 году. Источник:

Экскурсия по Русскому музею. Картина.

22 апр, 2018 в 15:09

vik6169

***

Илья Иванович Машков
Автопортрет с Кончаловским. 1910
Холст, масло. 208 x 270 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Илья Иванович Машков (1881-1944) - один из организаторов художественного объединения «Бубновый валет». В творчестве «бубнововалетцев» нашли отражение приемы французской живописи - постимпрессионизма, кубизма, а также эстетика народного лубка. Машков запечатлел себя с другом-единомышленником, художником Петром Петровичем Кончаловским.
Парный портрет друзей, почти обнаженных силачей со скрипкой и нотами, был весьма дерзким в глазах публики начала ХХ века. Столь эпатажное поведение и открытая самоирония не носили никаких злых умыслов. Домашняя обстановка с уютным чайным сервизом, лубочные натюрморты, висящие на стенах, пианино словно погружают зрителя во внутренний, совсем безобидный мир художников. На корешках книг, стоящих на полке, можно прочесть: «Искусства», «Библия», «Сезанн» - это те основы, что составляют мировоззрение живописцев. Во многом, именно отталкиваясь от творческого метода П. Сезанна - кумира художников, происходило становление живописи «бубнововалетцев». Лежащие на полу гири говорят об их внимании к красоте своего тела, а музыкальные инструменты - благообразии души. Тем самым Машков словно иллюстрирует народную мудрость: «В здоровом теле - здоровый дух», призывая к гармонии внешнего и внутреннего человеческой натуры.

Борис Михайлович Кустодиев
Купальщица. 1921
Холст, масло. 62 x 72 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Кустодиева часто называют русским Рубенсом, а выражение «кустодиевские красавицы» прочно вошло в обиход и в учебники, вместе с репродукциями его «купчих». В то же время, мало кому столько доставалось во все времена от художественной критики и коллег-живописцев. Многие спорят, чего больше в картинах Бориса Михайловича — восхищения или иронии, шутят, что, рисуя пышнотелых богинь в голодной послереволюционной России, он воспевал не их, а сытую жизнь и купеческий достаток, среди которого прошло его детство (семья Кустодиевых арендовала флигель в купеческом доме). Сам же художник говорил, что тонкие и изящные барышни, соответствующие стандартам красоты, не вдохновляют его. Устав от многочисленных «почему», он сказал как-то:
<<Мне кажется, картина, какой бы сюжет она ни имела, будет сильна любовью и тем интересом, с каким художник хотел передать свое настроение. И почему обязательно сюжет — чтобы картина чему-то учила и что-то рассказывала. Разве не может быть картина только красивой?>>

ПЕТРОВ-ВОДКИН Кузьма Сергеевич (1878-1939)
Смерть комиссара. 1928
Холст, масло. 196 x 248 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Драматическая работа «Смерть комиссара», законченная в 1928 году, ярко демонстрирует зрителю ещё одну тематическую сторону творчества Кузьмы Петрова-Водкина – жертвенность, гибель и героизм на пороге смерти, причём всё это отображено правдиво и честно, без ненужной патетики. Картина была приурочена к патриотической дате – 10-летию РККА (рабоче-крестьянская Красная армия).
На полотне мы видим бой. Потресканная земля холмов, представляющая собой смесь глины, песка, камней, изрытая оврагами, служит красноречивой декорацией разворачивающегося на первом плане действа. А здесь, перед самым зрителем, умирает комиссар отряда, тяжело раненный в бою. Гибнущего командира, поддерживает красноармеец, остальные же бегут дальше в бой, хотя некоторые и оглядываются назад, силясь понять, что случилось с их комиссаром, который только что смело вёл их в бой.
Поражает то, что вся экспозиция лишена всякого пафоса – просто бегут солдаты, тихо угасает человек на поле брани. И никаких последних напутствий и речей. Даже солдат выглядит очень просто и спокойно – ни горе, ни стенаний, ни гнева. Так и происходит всё в бою, а вся эта наносная патетика далека жестоких реалий – говорит нам живописец.
Нельзя ни обратить внимание на цветовой колорит полотна: вроде бы реалистичный сюжет выдержан в гармоничном фантастическом сочетании голубых, охристых и зелёных тонов – такая необычная колористическая трактовка является одной из отличительных черт художественного стиля живописца.
Картина «Смерть комиссара» явилась самой важной и яркой работой последнего периода творчества Петрова-Водкина. Известно, что работу над ней мастер начал ещё в 1927, тогда же появился первый карандашный эскиз. Целый год ушёл на поиск героя, композиционные решения и воплощение всего задуманного на полотне. В результате свет увидел картину, которая поражает своим глубоким драматизмом и предельной честностью.

***

ПЕТРОВ-ВОДКИН Кузьма Сергеевич (1878-1939)
Утро. Купальщицы. 1917
Холст, масло. 161 x 129 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Необычна изысканная эстетика произведения — вертикальный формат холста, удлиненные пропорции фигур, благородная гармония цветовой гаммы и, наконец, духовная наполненность образов. Первоисточник всему — впечатления от изучения фресок Дионисия в Ферапонтовом монастыре. Извечное стремление художника к большому стилю получило в картине достойное воплощение. Глубочайшее мастерство Петрова-Водкина выводит обычную жанровую сцену на уровень некоего вневременного действа, свершающегося на наших глазах.

ПЕТРОВ-ВОДКИН Кузьма Сергеевич (1878-1939)
Государственный Русский музей, С.-Петербург

Дейнека Александр Александрович.
Оборона Севастополя. 1942
Холст, масло. 200 x 400 см

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Импульсом к созданию картины "Оборона Севастополя" послужили фотографии разрушенного Севастополя, которые Дейнека увидел в начале 1942 года. Замысел картины родился у художника при просмотре своих материалов, альбомов и рисунков по Севастополю, где ему пришлось много работать до войны. Дейнека остро почувствовал любовь к городу, к его жителям и морякам, защищавшим любимый город, и непримиримую ненависть к врагам, разрушившим его. В основу композиции была положена яростная схватка, противопоставление человеческих устремлений, в отдельном эпизоде была сфокусирована основная идея борьбы за Отечество. Зимой 1942 года Дейнека привез из фронтовых поездок многочисленные зарисовки, которые были использованы в работе. Но этого было недостаточно: мастер делал в пластилине скульптурные наброски, раз за разом, проверяя правильность ракурсов, писал обнаженную натуру, чтобы избежать неточностей. Ему пришлось пригласить знакомую спортсменку для позирования, так как сильной мужской модели в Москве было не отыскать — все ушли на фронт. Своей "Обороной Севастополя" Дейнека вписал яркую страницу в историю мировой батальной живописи.

АЛЕКСАНДР ПАВЛОВИЧ БУБНОВ.
Хлеб. 1948
Холст, масло
181 x 393

Государственный Русский музей, С.-Петербург

С конца 1940-х годов художник обращается к теме советской деревни, к образам тружеников колхозных полей. В построении композиции «Хлеб», в ее панорамности, в открывающихся просторах отражается внутренний диалог автора с картинами русских художников от Венецианова до Маковского. Земля, преображенная крестьянским трудом, с благодарностью отдает богатый урожай — основной замысел автора. Художник передает восторженное чувство перед широким раздольем, бескрайностью полей, ожидающих уборки урожая.

Дейнека Александр Александрович.
«Бег»
1932
Холст, масло 229 х 259
Государственный Русский музей
Санкт-Петербург

«Я люблю спорт. Я могу любоваться часами на бегунов, пятиборцев, пловцов, лыжников. Мне всегда казалось, что спорт облагораживает человека, как все красивое». Эти слова принадлежат замечательному художнику А. А. Дейнеке. В своих картинах, рисунках, акварелях, плакатах, фресках, мозаиках, скульптуре Александр Александрович успешно воплощал тему спорта. Сам был настоящим спортсменом. И прежде всего по духу своему – боевому, новаторскому, целеустремленному. Однажды художник сказал: «Мне, независимо ни от чего, нравится человек в широком жесте, человек в спортивном или в рабочем движении, на большом дыхании». Широкое спортивное движение, коллективизм людей переданы в картине «Бег». Для раскрытия образа массового захватывающего бега автор строит композицию на сопоставлении движущихся спортсменов и неподвижной фигуры девушки на первом плане. Соединение на полотне разных по состоянию фигур создает ощущение стремительности бега. Фигуры спортсменов запечатлены цельно, объемно. Лица бегунов сосредоточенны, каждое движение отточено. Картина написана в теплом колорите, композиция полна внутреннего напряжения.

Загонек Вячеслав Францевич 1919 - 1994
«Гроза прошла» (1961).
Холст, масло

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Народный Художник СССР. Действительный член Академии Художеств СССР. Лауреат Государственной Премии им. И.Е. Репина. Кавалер Ордена Боевого Красного Знамени.
Первым учителем В.Ф. Загонека стал А.Р. Эберлинг (ученик И.Е. Репина, художник при Императорском дворе Николая II). В 1936 г. поступает в Среднюю художественную школу при Академии Художеств в Ленинграде. В 1939 г. призван в ряды Красной армии, становится участником Финской, а затем и Великой Отечественной войны.
В 1950 г. окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина в Ленинграде по мастерской Б.В. Иогансона (дипломная работа «Весна в колхозе»). Всесоюзную известность В.Ф. Загонеку принесли работы «Утро» (1958-1960) и «Гроза прошла» (1961).

***

Левитин А.П.
Теплый день.
1957. Холст, масло.

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Одной из самых значимых и великолепных картин в искусстве русского художника Анатолия Левитина, является "Тёплый День". Эта картина невероятно насыщена чувствами и эмоциями. Тёплый, солнечный день, который врывается в комнату сквозь раскрытое окно, ощущается непосредственно. При взгляде на эту картину даже не приходиться задумываться над тем, что хотел сказать художник, какую технику использовал, и какой смысл всё это несёт, так как с первых секунд из глубины души поднимается чувство восхищения. Это одно из тех полотен, которое является настолько прозрачным в плане понимания, что над ним не нужно раздумывать и размышлять.
Наверное, всем из нас знакомо это чувство, когда на улице разыгрался тёплый денёк и уже невозможно находиться дома. Всё естество просит тебя выбежать на улицу и насладиться прекрасной погодой в полную силу. Таких дней в нашей прекрасной, но всё же холодной России, не так много и люди используют такую возможность, чтобы сделать уборку дома - помыть пол и окна, протереть пыль и привести всё в порядок. Именно это и сумел в полной мере представить на своей картине художник Анатолий Левитин.
На картине представлена девушка, которая бросив мыть пол, села на подоконник и смотрит на улицу, где тёплый день разыгрался в полную силу и манит каждого покинуть четыре стены дома, чтобы впитать в себя все лучики ясного солнца, послушать, как поют птицы и шумит листва деревьев. Уловив какую-то очень тонкую грань, А. Левитин сделал невозможное. Из обычной жанровой картины он создал настоящий шедевр. В настоящее время картина "Тёплый День" находится в Русском музее в корпусе Бенуа. Эта картина принесла художнику всесоюзную известность и была награждена серебряной медалью Академии Художеств СССР.

Ткачев А.П., Ткачев С.П.
Детвора.
1957-1960. Холст, масло.

Государственный Русский музей, С.-Петербург

Братья Ткачевы, произведения которых представлены в крупнейших музеях России, включая Третьяковскую галерею, Русский музей и Музей братьев Ткачевых в Брянске, а также в крупнейших собраниях западных коллекционеров, явление уникальное в русском искусстве.
Уроженцы тютчевских мест на Брянщине (село Чучуновка), родившиеся в первое десятилетие после революции (Сергей Петрович – в 1922 году, Алексей Петрович – в 1925 году), братья Ткачевы воплотили своим искусством живую нить традиции, идущей от великанов XIX века – Александра Иванова, Сурикова, Репина, от вставшего вровень с мастерами Аркадия Пластова, духовного наставника живописцев. Искусство Ткачевых – это искусство говорящих картин, в которых есть глубокая мысль, досконально разработан сюжет. И в разработке его авторы всегда идут от натуры. В центре внимания художников, выросших в селе и хлебнувших лиха вместе со своей большой семьей, – русская деревня. Через призму деревенской жизни они воспринимают все происходящее в стране. Источник: